Il regista queer Raed Rafei torna a Tripoli, in Libano, per confrontarsi con una città natale che un tempo lo aveva rifiutato. Intervista gli abitanti della città sulle loro credenze culturali e sociali e sulla loro apertura alle nuove idee. Una sinfonia urbana che dipinge il quadro di una città paralizzata da una profonda crisi economica, da una rivoluzione in bilico e da un’incombente apocalisse, che si sarebbe materializzata poco dopo con la guerra sferrata da Israele. Il documentario, che scava sotto la superficie dell’omofobia per rivelare spazi di appartenenza, facendoci innamorare della tormentata città libanese, è stato presentato in prima mondiale all’International Documentary FF Amsterdam, e successivamente in altri festival come Lovers FF, Mix Milano, Queer Lisboa, Xposed Queer e Arab FF di San Francisco.

Raed Rafei è un regista, scrittore e giornalista queer libanese. Con un dottorato in Cinema all’Università della California, unisce saggistica, finzione e documentario per esplorare l’identità queer, la memoria urbana e il dissenso politico nel mondo arabo. Tra le sue opere precedenti, il film 74 (La reconstitution d’une lutte) e il corto Salam.

La diciassettenne Valeria è un’adolescente introversa, che i genitori religiosi portano nella fattoria di famiglia per preparare i festeggiamenti in vista delle nozze d’oro dei nonni. Lì incontra sua cugina Sol, che non vedeva da anni. Valeria e Sol condividono la stessa stanza per una settimana, durante la quale Valeria dovrà affrontare il suo risveglio sessuale tra le repressioni dei genitori e confrontarsi col desiderio nei confronti della cugina. Il film è stato presentato al Liepzig Queer FF.

Santiago León Cuéllar è co-fondatore della casa di produzione Mudra Films, dove lavora come regista e produttore esecutivo. È responsabile e curatore di Incinerante Fest, un festival di cortometraggi indipendenti a tema giovanile. Dopo The good manners, film d’esordio, sta lavorando al suo secondo lungometraggio, Samurai.

Gli alieni vogliono distruggere il pianeta e ci chiedono prova del nostro innegabile valore. Scendono in campo: Aurelia, una 42enne che si spaccia per una 17enne, assetata dal desiderio di essere famosa e completamente dissociata dalla realtà; Basileo, un mediocre, volgare e gretto nel profondo, un vero artista della seduzione priva di eleganza; La Madre, irruente, violenta, impetuosa, ossessionata dal cibo, e capace di esprimersi solo attraversa grida. Tre “mostri” di arroganza, ambizione e involontaria comicità. Questo è “Salvami, mostro”: viaggio comico, grottesco e senza filtri nella mediocrità e ferocia dell’essere umano, che lotta ardentemente per imporre la propria scomoda presenza nel mondo.

Lo spettacolo è un irriverente one man show che esplora l’universo dei personaggi creati da Lorenzo Balducci, già noti sui social e per la prima volta catapultati in una dimensione teatrale. Un contenitore di molteplici personaggi che si avvale anche di interazioni tra schermo e palcoscenico, grazie a video musicali, videochiamate, spot pubblicitari, performance di lipsync, stravolgendo il raggio d’azione e il punto di vista dello spettatore. Balducci porta in scena anche sé stesso, il Lorenzo impacciato e incapace di gestire anche solo una semplice conversazione con i “mostri” che invadono la sua esistenza. Le sue fragilità e i suoi sogni finiscono sotto un’enorme lente d’ingrandimento nella speranza di trovare la loro cura e realizzazione. “Salvami, mostro” è anche un inno alla cultura pop in ogni suo aspetto. Balducci omaggia l’iconicità di Victoria Beckham, la musica di Laura Pausini, la glacialità di Miranda Priestley de “Il diavolo veste Prada” e la magia di innumerevoli personaggi dell’universo pop, dagli anni ’90 ad oggi.

Già protagonista a teatro di “Allegro, non troppo”, “Fake” ed “E.G.O.”, scritti e diritti da Mariano Lamberti, Lorenzo Balducci debutta nella scrittura e regia di un testo originale. La normalità è solo un’illusione. “Salvami, mostro” è un mix esplosivo di satira capace di abbattere le convenzioni e conquistare qualunque tipo di pubblico, dall’adulto al bambino, in un contesto capace di far ridere, riflettere e se possibile ribaltare il mondo.

Veneno, un giovane vagabondo gay, frequenta tavole calde lungo la strada dove rimorchia i camionisti. Avendo urgente bisogno di un passaggio, incontra Muñeco, un camionista etero, duro e riservato, che convince a farsi dare un passaggio. Mentre viaggiano insieme e tra loro si crea un’inaspettata intimità, riaffiorano ombre del passato di Veneno, mettendo a rischio la vita di entrambi. La storia di sesso, droga e violenza si staglia sullo sfondo di un suggestivo deserto messicano solcato dai tir, carico di una forte tensione carnale e di una sensualità testosteronica e machista. Il film è stato presentato alla Mostra del Cinema di Venezia

David Pablos è un regista e sceneggiatore messicano tra le voci più interessanti del cinema contemporaneo latinoamericano. Dopo l’esordio con La vida después (2013), si è imposto a livello internazionale con Las elegidas (2015), intenso dramma sulla tratta di esseri umani presentato a Cannes, e con Il ballo dei 41 (2020). Nei suoi film esplora identità, desiderio e marginalità con uno sguardo realistico e profondamente umano.

Eva, una donna transessuale, cerca di tenere insieme le complessità di una famiglia in difficoltà e le persone che ama attorno a sé: il figlio, che dopo la morte della moglie durante il parto non vuol saperne della neonata, e l’amante timoroso di rendere pubblica la relazione. Tra tensioni, rimproveri e silenzi, madre e figlio intraprendono un percorso verso la comprensione reciproca e la ricostruzione del loro legame familiare. Intenso ed emozionante, il film entra nella descrizione delle relazioni con delicatezza ma senza sconti, disegnando un potente ritratto della protagonista. Il film è stato presentato al Rome Independent Film Festival (dove ha vinto come miglior film LGBTQIA+) e in altre vetrine internazionali, dagli Usa all’India, vincendo ai festival di Boston e L’Avana.

William Reyes è un regista e sceneggiatore honduregno. Ha fondato OPIDA, una casa di produzione focalizzata sul cinema d’autore e su programmi di formazione cinematografica per le comunità indigene e afrodiscendenti. I suoi corti Victoria (2019) e El Pescador (2023) sono stati premiati an festival di Guadalajara e dell’Avana. Eva è il suo lungometraggio d’esordio.

Laila e Roshni, due donne transgender, sono alla ricerca di una casa dopo essere state sfrattate dall’abitazione in affitto. Ben presto diventa evidente che la loro ricerca di una casa coincide con la loro continua ricerca di un posto in una società che vuole tenerle ai margini, relegandole in un ruolo marginale. Mentre la ricerca di una casa prosegue, ci rendiamo conto che essa trascende gli spazi fisici e i legami biologici. Nascono nuove amicizie e l’aiuto arriva da fonti inaspettate. Il film ha girato un’infinità di festival, da Amburgo a Tokyo, da Londra a San Paolo, da Seoul a Mumbai, ottenendo numerosi riconoscimenti.

Ektara Collective è un gruppo indipendente di Bhopal, autonomo e non finanziato, composto da persone che uniscono creatività e immaginazione per realizzare film che siano radicati, sia nei contenuti che nell’estetica, nelle loro realtà ed esperienze. Attraverso questo processo, Ektara ha prodotto film ma anche video musicali, e inoltre doppia film in inglese e in altre lingue in hindi.